Mary Quant/ Mary Booties.

Mary Quant
Born in London in 1934, Mary Quant studied at the London School of Art in 1950. Seven years later she opened her first Bazaar store where she promoted the “mod” era and the “Chelsea Look”.
Nacida en Londres en 1934, Mary Quant estudió en la Escuela de Arte de Londres en 1950. Siete años después abre su primera tienda Bazaar donde impulsa la era “mod” y el “Chelsea Look”.


Photo by Sharok Hatami/REX/Shutterstock (4491l) Alexander Plunkett Greene with Mary Quant Various – 1964.




Mary Quant with her husband and partner Alexander Plunket Greene. At first he distributed and sold clothes from other designers but soon decided to create his own collection (since it was not seen with the imposed fashion of the time) proposing a jovial, casual, colorful and informal style championed by Twiggy, Brigitte Bardot and Nancy Sinatra.
Mary Quant con su marido y socio Alexander Plunket Greene. Al principio distribuía y vendía ropa de otros diseñadores pero pronto decidió crear su propia colección (ya que no se veía con la moda impuesta de la época) proponiendo un estilo jovial, casual, colorido e informal abanderado por Twiggy, Brigitte Bardot y Nancy Sinatra.

Soon Bazaar achieves great success. Especially internationally, with the launch of the miniskirt. His designs aimed at the youthful mass stood out for their joviality, color and simplicity, contrasting with the seriousness of the fashion of the moment.

Pronto Bazaar alcanza un gran éxito. Sobre todo internacionalmente, con el lanzamiento de la minifalda. Sus diseños dirigidos a la masa juvenil destacaban por su jovialidad, colorido y sencillez contrastando con la seriedad de la moda del momento.


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It also launched its own line of accessories: perfumes, socks, tights, belts, glasses, boots, ankle boots … A revolution for the time that is still active today.

También lanzó su propia línea de accesorios: perfumes, medias, mallas, cinturones, lentes, botas, botines… Toda una revolución para la época que continua en activo hoy en día.


At Dr. WatsonShoemaker, we pay tribute to that explosion of color by taking inspiration from their ankle boots and opening the market to the colorful and youthful feminine world.

En Dr. WatsonShoemaker, rendimos homenaje a esa explosión del color inspirándonos en sus botines y abriendo mercado al mundo colorista y juvenil femenino.

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Mary ankle boots are available in six colors. With the style and quality that always characterizes us: red, yellow, white, blue, black and soon in purple.

Los botines Mary están disponibles en seis colores. Con el estilo y calidad de siempre que nos caracteriza: rojo, amarillo, blanco, azul, negro y pronto en morado.

«Take a chance, go for it. Life always gives you another chance. It is very important to take huge risks.» (Mary Quant)
«Arriésgate, ve a por ello. La vida siempre te da otra oportunidad. Es muy importante tomar riesgos enormes». (Mary Quant)

Corduroy shoes. Zapatos de pana.

Hello everyone. I am making a new collection and I have added an idea that was around my head a long time after seeing several vintage models made of corduroy.
A very mod and stylish fabric that never goes unnoticed.
I have used a very nice corduroy with a ribbon trim to contrast and square eyelets in the purest 60s style.
You can make order in:

Hola a todos. Estoy realizando una nueva colección y he añadido una idea que me rondaba en la cabeza hace tiempo después de ver varios modelos vintage fabricados en pana.
Un tejido muy mod y con gran estilo, que nunca pasa desapercibido.
He utilizado una pana muy bonita con un ribete en cinta para contrastar y ojetes cuadrados al mas puro estilo 60s.
Puedes hacer tu pedido en:

Corduroy history

Corduroy is a truly vintage textile of cotton or cotton-mix fabric with a raised, ribbed, sheared surface nap and underlying weave. It is made from woven, twisted fibres which lie in parallel rows or ‘cords’ to form the cloth’s texture. The cords usually have a channel between them.

Corduroy has a velvety feel making it durable yet soft to touch. It has been used mainly for men’s working and sporting clothing throughout the centuries. Modern uses include trousers, shirts, skirts, suits, caps, dresses, jackets, toys and soft furnishing. The character of corduroy has not changed greatly since the late 18th Century.

The corduroy has been the velvet of the poor. A fine but beautiful cotton fabric that formed generous staffs and that, due to its resistance, was the uniform of the workers of the industrial revolution. The English invented it in the late eighteenth century, but the French took all the credit.

Be that as it may, the corduroy went from being a worker’s fabric to being a uniform for paid school children in the happy 1920s. The boy scouts adopted it as their own. In the 1950s the corduroy was finally dethroned from the Olympus of the symbols of the working class by the cowboys.

The jeans came from the gold rush and soon created a fever of their own. The interclass fever, of the denim that a worker can carry the same as a marquis.

The corduroy, meanwhile, changed social class. A fugitive and a jacket, he went from the factory to the castle and took refuge in hunting suits and field clothes. From a symbol of the working class to a redoubt of aristocrats who hunt foxes in England and always crouched in schools until the 1960s, the corduroy was able to take over fashion again and in May ’68.

Boosted on the catwalks in the 70s, 80s and 90s. Moschino made her queen in ’92, ’93, ’94. The corduroy never went out of style again.

The history of corduroy

Corduroy evolves from the ancient cotton weave known as ‘fustian’. This manufactured textile existed for thousands of years before it came to acquire the name of corduroy as we know it.

It is being used and manufactured in 200 AD in Egypt, in a city called Fustat near Cairo (the capital of Arabian Egypt at this time). The fabric becomes known as ‘fustian’ in 12th Century Europe. It becomes more popular with the growth in the cotton trade from the 12th – 14th centuries, distributing the fabric throughout Europe via Italy.

Fustian is part of the family of tufted velvety textiles originating in the East and exported throughout Europe. It becomes a sought-after exotic fabric amongst royalty and wealthy Europeans.

Imitation fustian textiles are manufactured throughout Europe from 14th-16th centuries. Fustian becomes a more general name for any textile that looks like the original cotton-based woven product. From the mid to late 16th Century fustians are being manufactured in the UK in London, Norwich, Lancashire and Ireland using a cotton and wool blend or linen and cotton blend. By the 18th Century fustian becomes commonly known as a cotton and linen mix woven fabric with a raised and sheared nap.

18th Century corduroy and royalty-inspired fashion

In 18th Century England, the cloth is manufactured as a modern, practical choice of outdoor textile. It is warm, dries quickly and is hard-wearing. Cheaper versions of fustian are produced in brushed pile. Slightly more expensive is a longer brushed pile and the most expensive versions were a true-cut pile made using the original technique. This more expensive Naples fustian continues the elite reputation of the textile worn by King Henry VIII in the 16th Century.

The cheaper fustians are considered modest yet popular sporty garments for use in riding horses and the military. Dandy highwayman Dick Turpin orders new fustian garments especially for his execution in 1739.

Fustian is also commonly used for servant’s livery and undergarments as well as outerwear and competes with wool garments for popularity. Ribbed fustian becomes widely available which more closely resembles the corduroy we recognise from the 20th Century.

Towards the end of the 18th Century fustian once again becomes a purely practical, protective textile used in working garments. It becomes especially popular amongst schoolmasters and those in ink-based trades (an image that still is associated with corduroy today). White fustian is also adopted for ladies’ dresses at this time. Fustian starts to become known as ‘cotton velvet’ and ‘corduroy’ in England.

19th Century working class uniform

By the turn of the 19th Century the ribbed corduroy fabric is very popular with both country gentlemen and farmers alike. However, by Victorian times, corduroy starts to be seen as the urban working man’s uniform due to its inflexibility for fashionable-shaped tailoring and its durability. Until it becomes fashionable again in the 20th Century corduroy is firmly fixed as a signifier of class for decades. By the 19th Century corduroy is being mass-produced in factories all over Europe and America. Used by workers, artists and students it has the image of ‘poor man’s velvet’.

But why is it called corduroy?

In the 17th Century, French royal servants were known to wear a fine but durable woven velvet fustian-style fabric made from silk.

The word corduroy is coined in England around the late 18th Century as an early form of branding using the French translation of ‘cloth of the King’ (corde du roi). This is perhaps to promote an image of royal quality and to give the English-manufactured cotton cloth an air of French prestige.

The Oxford English Dictionary cites 1774 as the earliest date of use of the word ‘corduroy’.

French-manufactured textiles have a great reputation in England at this time. Strangely, French adverts from the early 19th Century used the English translation of ‘corde du roi’ to sell the cloth in France as ‘kings-cords’. Confused? Me too.

20th Century corduroy

Corduroy becomes popular as a children’s fabric in the early 20th Century. Some schools in America and French Scouts adopt it in uniforms.

Carrying on its traditional use for sporty and military wear, it is also worn as trousers by mountain climbers, car drivers and in soldiers’ uniform trousers in World War I throughout Europe. The Women’s Land Army also wore corduroy breeches. In 1918 the new Ford Model T automobile uses hard-wearing, luxurious corduroy as upholstery.

Corduroy continues its popularity in 1920s and 30s fashion with suits, trousers, caps and jackets being worn not just as workwear but as practical fashion material for the modern, sporty age. Corduroy shorts are also seen being worn by boys post-WWI. Corduroy continues to be used as work and sports wear throughout the century.

Since the 1950s corduroy goes in and out of style several times and is been worn by all ages, rich and poor. Everytime it seems that corduroy has gone seriously out of fashion, it emerges again and gets an update. Even corduroy upholstery suffers from the ever- changing phases of fashion.

During the late 1960s and 1970s corduroy becomes fashionable again. It becomes a symbol of anti-establishment as a natural, less rigid material in neutral colours. The faded, worn look of the 1960s gives way to an explosion of colour and pattern in the 1970s. Corduroy jeans start to become a widespread staple of informal dressing still popular today.

Post- 1970s corduroy becomes unfashionable yet again, despite the launch of a 1982 Versace line of men’s clothing in corduroy. In the late 1990s stretch corduroy is introduced, creating a new, less bulky shape for the fashion-conscious.

It seems that, due to its practicality and comfort, corduroy will never die.

Famous corduroy appreciators include: Ben Franklin, Henry David Thoreau, Walt Whitman, Picasso, Wes Anderson, Matisse, Gertrude Stein, Frank Lloyd Wright and Woody Allen.

La pana es un textil verdaderamente vintage de algodón o tela de mezcla de algodón con una siesta de superficie elevada, acanalada y cizallada y tejido subyacente. Está hecho de fibras tejidas y retorcidas que se encuentran en filas paralelas o «cordones» para formar la textura de la tela. Los cables suelen tener un canal entre ellos.

La pana tiene una sensación aterciopelada que la hace duradera pero suave al tacto. Se ha utilizado principalmente para la ropa deportiva y de trabajo de los hombres a lo largo de los siglos. Los usos modernos incluyen pantalones, camisas, faldas, trajes, gorras, vestidos, chaquetas, juguetes y muebles suaves. El carácter de la pana no ha cambiado mucho desde finales del siglo XVIII.

La historia de la pana.

La pana evoluciona del antiguo tejido de algodón conocido como «fustian». Este textil fabricado existió durante miles de años antes de adquirir el nombre de pana como la conocemos.

Se está utilizando y fabricando en el año 200 dC en Egipto, en una ciudad llamada Fustat, cerca de El Cairo (la capital del Egipto árabe en este momento). La tela se conoce como «fustian» en la Europa del siglo XII. Se vuelve más popular con el crecimiento del comercio del algodón de los siglos XII y XIV, distribuyendo el tejido en toda Europa a través de Italia.

Fustian es parte de la familia de textiles aterciopelados con mechones originarios del Este y exportados a toda Europa. Se convierte en un tejido exótico muy buscado entre la realeza y los europeos ricos.

Los textiles fustianos de imitación se fabrican en toda Europa desde los siglos XIV-XVI. Fustian se convierte en un nombre más general para cualquier textil que se parece al producto tejido original a base de algodón. Desde mediados hasta finales del siglo XVI, los fustianos se fabrican en el Reino Unido en Londres, Norwich, Lancashire e Irlanda utilizando una mezcla de algodón y lana o una mezcla de lino y algodón. En el siglo XVIII, el fustian se conoce comúnmente como un tejido mixto de algodón y lino con una siesta elevada y cortada.

Pana del siglo XVIII y moda inspirada en la realeza

En la Inglaterra del siglo XVIII, la tela se fabrica como una opción moderna y práctica de textiles para exteriores. Es cálido, se seca rápidamente y es resistente. Las versiones más baratas de fustian se producen en pila cepillada. Un poco más caro es una pila cepillada más larga y las versiones más caras fueron una pila cortada con la técnica original. Este fustian de Nápoles más caro continúa con la reputación de élite del textil usado por el rey Enrique VIII en el siglo XVI.

Los fustianos más baratos se consideran prendas deportivas modestas pero populares para su uso en la equitación y el ejército. El dandy roadman Dick Turpin ordena nuevas prendas fustianas especialmente para su ejecución en 1739.

Fustian también se usa comúnmente para la librea y ropa interior de los sirvientes, así como ropa de abrigo y compite con las prendas de lana por su popularidad. El fustian acanalado está ampliamente disponible, lo que se asemeja más a la pana que reconocemos desde el siglo XX.

Hacia el final del siglo XVIII, Fustian se convierte nuevamente en un textil protector, puramente práctico, utilizado en prendas de trabajo. Se vuelve especialmente popular entre los maestros de escuela y aquellos en oficios basados ​​en tinta (una imagen que todavía se asocia con la pana en la actualidad). El fustian blanco también se adopta para los vestidos de mujer en este momento. Fustian comienza a ser conocido como «terciopelo de algodón» y «pana» en Inglaterra.

Uniforme de la clase trabajadora del siglo XIX

A comienzos del siglo XIX, la tela de pana acanalada es muy popular tanto entre los caballeros del campo como entre los agricultores. Sin embargo, en la época victoriana, la pana comienza a ser vista como el uniforme del trabajador urbano debido a su inflexibilidad para la confección de moda y su durabilidad. Hasta que vuelva a estar de moda en el siglo XX, la pana está firmemente establecida como un significante de clase durante décadas. En el siglo XIX, la pana se producía en serie en fábricas de toda Europa y América. Utilizado por trabajadores, artistas y estudiantes, tiene la imagen del «terciopelo del pobre».

¿Pero por qué se llama pana?

En el siglo XVII, se sabía que los sirvientes reales franceses usaban una tela de terciopelo tejida fina pero duradera hecha de seda.

La palabra pana se acuñó en Inglaterra a fines del siglo XVIII como una forma temprana de marca que utiliza la traducción francesa de «tela del rey» (corde du roi). Tal vez esto sea para promover una imagen de calidad real y para darle a la tela de algodón fabricada en inglés un aire de prestigio francés.

El Oxford English Dictionary cita 1774 como la fecha más temprana de uso de la palabra «pana».

Los textiles fabricados en Francia tienen una gran reputación en Inglaterra en este momento. Curiosamente, los anuncios franceses de principios del siglo XIX utilizaron la traducción al inglés de «corde du roi» para vender la tela en Francia como «cuerdas de reyes». ¿Confuso? Yo también.

Pana del siglo XX

La pana se vuelve popular como tela para niños a principios del siglo XX. Algunas escuelas en los Estados Unidos y los Scouts franceses lo adoptan con uniformes.

Llevando su uso tradicional para el uso deportivo y militar, también es usado como pantalones por los alpinistas, conductores de automóviles y en pantalones de uniforme de soldados en la Primera Guerra Mundial en toda Europa. El Ejército de Mujeres de la Tierra también llevaba pantalones de pana. En 1918, el nuevo automóvil Ford Modelo T utiliza una tapicería lujosa y resistente como tapicería.

La pana continúa su popularidad en la moda de los años 20 y 30 con trajes, pantalones, gorras y chaquetas que se usan no solo como ropa de trabajo sino también como material de moda práctico para la era moderna y deportiva. También se ve que los niños usan pantalones cortos de pana después de la Primera Guerra Mundial. La pana se sigue utilizando como ropa de trabajo y deportiva durante todo el siglo.

Desde la década de 1950, la pana pasa de moda varias veces y es usada por todas las edades, ricas y pobres. Cada vez que parece que la pana se ha pasado de moda, emerge de nuevo y recibe una actualización. Incluso la tapicería de pana sufre las fases cambiantes de la moda.

A finales de los años sesenta y setenta, la pana vuelve a ponerse de moda. Se convierte en un símbolo de anti-establecimiento como un material natural, menos rígido en colores neutros. El aspecto desvaído y desgastado de la década de 1960 da paso a una explosión de color y diseño en la década de 1970. Los jeans de pana comienzan a convertirse en un elemento básico de vestimenta informal que todavía es popular hoy en día.

La pana posterior a la década de 1970 vuelve a pasar de moda, a pesar del lanzamiento de una línea Versace de ropa masculina en pana de 1982. A fines de la década de 1990, se introduce la pana elástica, creando una nueva forma menos voluminosa para los amantes de la moda.Chico negro cerca de Cincinnati, Ohio (LOC)

Los apreciadores famosos de pana incluyen: Ben Franklin, Henry David Thoreau, Walt Whitman, Picasso, Wes Anderson, Matisse, Gertrude Stein, Frank Lloyd Wright y Woody Allen.


Summer 2020 – Verano 2020


Two new styles for the summer 2020!

Have a look to Lane and The Club.

Lane cream and white perforated suede.

The Club tan suede and brown leather.

Now!!! Limited edition like always!!

Be different, be original and genuine!!

Wear Dr. Watson Shoemaker!!

¡Dos nuevos modelos para el verano 2020!

Echa un vistazo a los modelos Lane y The Club.

Lane en velour crema y blanco perforado.

The Club en velour cuero y napa marrón.

¡¡Ahora!! Como siempre edición limitada.

Se diferente, original y genuino.

¡¡Ponte unos zapatos Dr. Watson !!

Chukka Boots.

Chukka boots are ankle-high leather boots with suede or leather uppers, leather or rubber soles, and open lacing with two or three pairs of eyelets. The name chukka possibly comes from the game of polo, where a chukka is a period of play.

Generally, «chukka boot» refers to a form of desert boots originally worn by British soldiers in the Western Desert Campaign of World War II.


Chukkas are usually made from calfskin or suede, although they can be made from other materials. The style first became popular in the late 1940s through the 1960s as casual wear. In the 21st century, chukkas persist as a popular menswear shoe, particularly in the United Kingdom. They can be worn with both suits and more casual wear like jeans.

According to shoe historian June Swann, the essential chukka boot is ankle-high, open-laced, and unlined, with two to three pairs of eyelets, thin leather soles, calfskin suede uppers in two parts (each from a single piece of leather; quarters sewn on top of vamp), and rounded toes.

The chukka boot is back but in truth, it never went away. Like the brogue, the chelsea boot and the loafer, it is an enduring British classic, one that comes, as so much of our tailoring does, from the military.

Like all chukkas, sit well with a few connected looks: terrace casual, Mod and Ivy. You can imagine Paul Newman wearing them on deck, or you can picture the Quadrophenia gang hitting the town in them. All chukkas are multi-purpose. They’re casual enough for you to not look like the guy who has worn a tux to the pub but they’re also smart enough to stop you looking like the guy who has worn shorts to the boardroom.

After the second world war, chukkas went from being an imperial sports shoe to a casual mainstay. Their most famous incarnation – the Clarks desert boot – became popular with Jamaican rude boys in the 1960s and has remained big on the island ever since. All desert boots are chukka boots, but not all chukka boots are desert boots.

Botines Chukka.

Chukka boots by

Dr. Watson Shoemaker.

Las botas Chukka son botas de cuero hasta el tobillo con parte superior de ante o cuero, suelas de cuero o goma, y ​​cordones abiertos con dos o tres pares de ojales. El nombre chukka posiblemente proviene del juego de polo, donde un chukka es un período de juego.

En general, «bota chukka» se refiere a una forma de botas de desierto usadas originalmente por soldados británicos en la Campaña del Desierto Occidental de la Segunda Guerra Mundial.


Las chukkas generalmente están hechas de piel de becerro o gamuza, aunque pueden estar hechas de otros materiales. El estilo se hizo popular por primera vez a fines de la década de 1940 hasta la década de 1960 como ropa casual. En el siglo XXI, las chukkas persisten como un zapato de moda masculina popular, particularmente en el Reino Unido. Se pueden usar tanto con trajes como con ropa más informal como jeans.

Según el historiador de calzado June Swann, la bota chukka esencial es hasta el tobillo, con cordones abiertos y sin forro, con dos o tres pares de ojales, suelas de cuero fino, parte superior de ante de piel de becerro en dos partes (cada una de una sola pieza de cuero; cuartos cosidos en la parte superior del empeine) y dedos redondeados.

La bota chukka está de vuelta pero, en verdad, nunca se fue. Al igual que el brogue, el botín chelsea y el holgazán, es un clásico británico duradero, uno que proviene, como gran parte de nuestra sastrería, del ejército.

Como todos los chukkas, siéntate bien con algunos looks conectados: terraza informal, Mod e Ivy. Puedes imaginar a Paul Newman usándolos en la cubierta, o puedes imaginar a la pandilla Quadrophenia golpeando la ciudad en ellos. Todos los chukkas son multipropósito. Son lo suficientemente casuales como para que no te veas como el tipo que ha usado un esmoquin en el pub, pero también son lo suficientemente inteligentes como para evitar que te veas como el tipo que ha usado pantalones cortos en la sala de juntas.

Después de la segunda guerra mundial, los chukkas pasaron de ser un calzado deportivo imperial a un pilar informal. Su encarnación más famosa, la bota del desierto Clarks, se hizo popular entre los chicos rudos jamaicanos en la década de 1960 y desde entonces se ha mantenido grande en la isla. Todas las botas de desierto son botas chukka, pero no todas las botas chukka son botas de desierto.

The Club. Flamingo jazz London.


History of Flamingo Club.


fame flamingo

The 1950s

The club first opened in August 1952 under the management of Jeffrey Kruger, a London-born jazz fan, and his father Sam Kruger. Its first premises were in the basement of the Mapleton Restaurant in Coventry Street. Jeffrey Kruger’s intention was to provide a centre for high quality music in comfortable surroundings. It was promoted as Britain’s most comfortable club and male visitors were expected to wear ties. The club acquired its name from the song «Flamingo», which was used as a theme tune by the resident band, Kenny Graham’s Afro-Cubists. Acts were introduced by Tony Hall. The club rapidly gained a strong reputation attracting visiting performers such as Sarah Vaughan, Ella Fitzgerald and in 1954, Billie Holiday.

In April 1957, the club moved to new premises at 33–37 Wardour Street, where it initially remained primarily a jazz venue with Ronnie Scott and Tubby Hayes as members of the resident band. The club became particularly well known for its weekend «all-nighters» staying open on Friday and Saturday nights until 6.00 am. , a practice which had started on an occasional basis in 1953.

The Flamingo’s management was taken over in 1959 by Rik Gunnell, a former boxer, market worker and bouncer who had previously run an all-night club at the Mapleton Hotel with the hotel’s manager Tony Harris. Rik and his brother Johnny launched regular all-nighters and the ethos of the club gradually changed.

flamingo puerta photo by Don Paulsen

The 1960s

The Flamingo was sometimes described as an intimidating place in the early 1960s, where gangsters, pimps and prostitutes hung out and fighting among customers was not unusual. In October 1962, the club was the scene of a fight between jazz fans Aloysius Gordon and Johnny Edgecombe both lovers of Christine Keeler, which ultimately led to the public revelations of the Profumo affair.

By 1963, the Flamingo also became known as a centre of the mod subculture, where fans and musicians of both jazz and R&B music would rub shoulders. It also became recognised as a meeting place for famous musicians including members of the Beatles, the Rolling Stones, Jimi Hendrix and many others. An example of this is that on 6 August 1965, Brian Jones and Paul McCartney attended a performance by the Byrds, with Jane Asher. The club was later renamed «The Pink Flamingo» but closed in May 1968.
Musicians and music

In the early days of the club artists such as Sarah Vaughan, Ella Fitzgerald and in 1954 Billie Holiday, all performed at the club. Early line ups of the house band included saxophonists Joe Harriott, Tubby Hayes, Ronnie Scott, drummer Tony Kinsey, vibraphonist Bill Le Sage and pianist Tommy Pollard.

The Club 2

Over the years the club succeeded in promoting the best in jazz, rhythm and blues also cross-over genres, mixing successful established acts with up and coming artists. Many of the emerging acts that the Flamingo promoted would go on to become respected music industry names. The Flamingo became not only the venue for a «who’s who» of British rock and R&B, but also visiting American artists such as Stevie Wonder, Bill Haley, Patti LaBelle, John Lee Hooker and Jerry Lee Lewis. This melting pot of music industry talent often led to memorable jam sessions.

Musicians who played at the Flamingo in the 1960s included Dizzy Gillespie, Rod Stewart, Otis Redding, Wilson Pickett, Zoot Money, the Big Roll Band, John Mayall, Eric Clapton, the Rolling Stones, the Moody Blues, the Animals, Chris Farlowe and the Thunderbirds, Mick Fleetwood, Peter Bardens, Shotgun Express, Cream, Atomic Rooster, Pink Floyd, Georgie Fame and the Blue Flames, Bobby Tench, the Gass, Alexis Korner, Carmen McRae, Brian Auger, Jack Bruce, Ginger Baker, Long John Baldry, Cliff Bennett and the Rebel Rousers, the then newly formed Small Faces and Steve Marriott.


Historia de Flamingo Club.



La década de 1950

El club se abrió por primera vez en agosto de 1952 bajo la dirección de Jeffrey Kruger, un fanático del jazz nacido en Londres, y su padre Sam Kruger. Sus primeras instalaciones fueron en el sótano del restaurante Mapleton en la calle Coventry. La intención de Jeffrey Kruger era proporcionar un centro de música de alta calidad en un entorno cómodo. Fue promovido como el club más cómodo de Gran Bretaña y se esperaba que los visitantes masculinos usaran corbatas. El club adquirió su nombre de la canción «Flamingo», que fue utilizada como tema musical por la banda residente, los afrocubistas de Kenny Graham. Los actos fueron presentados por Tony Hall. El club ganó rápidamente una gran reputación atrayendo a artistas visitantes como Sarah Vaughan, Ella Fitzgerald y en 1954, Billie Holiday.

En abril de 1957, el club se trasladó a un nuevo local en 33-37 Wardour Street, donde inicialmente se mantuvo principalmente un lugar de jazz con Ronnie Scott y Tubby Hayes como miembros de la banda residente. El club se hizo particularmente conocido por sus «all-nighters» de fin de semana que permanecen abiertas los viernes y sábados por la noche hasta las 6.00 a.m. , una práctica que había comenzado de manera ocasional en 1953.

La gestión del Flamingo fue asumida en 1959 por Rik Gunnell, un ex boxeador, trabajador de mercado y gorila que anteriormente había dirigido un club nocturno en el Hotel Mapleton con el gerente del hotel, Tony Harris. Rik y su hermano Johnny lanzaron salidas nocturnas regulares y el espíritu del club cambió gradualmente.


La década de 1960

El Flamingo fue descrito a veces como un lugar intimidante a principios de la década de 1960, donde los gangsters, los proxenetas y las prostitutas se juntaban y las peleas entre los clientes no eran inusuales. En octubre de 1962, el club fue escenario de una pelea entre los fanáticos del jazz Aloysius Gordon y Johnny Edgecombe, ambos amantes de Christine Keeler, lo que finalmente condujo a las revelaciones públicas del caso Profumo.


En 1963, el Flamingo también se hizo conocido como un centro de la subcultura mod, donde los fanáticos y los músicos de jazz y R & B se codeaban. También fue reconocido como un lugar de encuentro para músicos famosos, incluidos miembros de los Beatles, los Rolling Stones, Jimi Hendrix y muchos otros. Un ejemplo de esto es que el 6 de agosto de 1965, Brian Jones y Paul McCartney asistieron a una actuación de los Byrds, con Jane Asher. El club más tarde fue rebautizado como «The Pink Flamingo», pero se cerró en mayo de 1968.

Músicos y música

En los primeros días de los artistas del club como Sarah Vaughan, Ella Fitzgerald y en 1954 Billie Holiday, todos actuaron en el club. Las primeras alineaciones de la banda incluyeron a los saxofonistas Joe Harriott, Tubby Hayes, Ronnie Scott, el baterista Tony Kinsey, el vibrafonista Bill Le Sage y el pianista Tommy Pollard.

Con el paso de los años, el club logró promover lo mejor en jazz, rhythm and blues y géneros cruzados, mezclando exitosos actos establecidos con artistas prometedores. Muchos de los actos emergentes promovidos por el Flamenco se convertirían en nombres respetados de la industria de la música. The Flamingo se convirtió no solo en el lugar para «quién es quién» del rock británico y el R & B, sino también en artistas estadounidenses como Stevie Wonder, Bill Haley, Patti LaBelle, John Lee Hooker y Jerry Lee Lewis. Este crisol del talento de la industria de la música a menudo dio lugar a memorables sesiones improvisadas.

Los músicos que tocaron en el Flamingo en la década de 1960 incluyeron a Dizzy Gillespie, Rod Stewart, Otis Redding, Wilson Pickett, Zoot Money, The Big Roll Band, John Mayall, Eric Clapton, The Rolling Stones, The Moody Blues, The animals, Chris Farlowe y los Thunderbirds, Mick Fleetwood, Peter Bardens, Shotgun Express, Cream, Atomic Rooster, Pink Floyd, Georgie Fame y The Blue Flames, Bobby Tench, The Gass, Alexis Korner, Carmen McRae, Brian Auger, Jack Bruce, Ginger Baker, Long John Baldry, Cliff Bennett y Rebel Rousers, los recién formados Small Faces y Steve Marriott.


flamingo puerta

Font: Wikipedia

Video: On the cooler Dimples


The Kenney Jones style. El modelo de Kenney Jones.

After several months working for the Mod Shoes brand, we have put on sale a basket design inspired by the 60, in the era of our beloved «Small Faces».

Tras varios meses trabajando para la marca Mod Shoes, hemos puesto a la venta un diseño de rejilla inspirado en los 60, en la época de nuestros adorados «Small Faces».


The shoes that fit the great Kenney Jones.

It has been a pleasure to work for Mod Shoes and see our great hero of the 60s, great drummer who played in Small Faces, Faces and The Who, wearing our design.


Los zapatos que calza el gran Kenney Jones.

Ha sido un placer trabajar para Mod Shoes y ver a nuestro gran heroe de los 60, gran batería que militó en Small Faces, Faces y The Who, calzando nuestro diseño.


We took advantage of the launch of his autobiographical book «Let the good times roll» to show the collection in which Kenney has shown himself to be involved and is delighted with the result of our work.

Thank you Kenney and we hope you like the designs.

Limited edition as always. On sale at Mod Shoes.


Aprovechamos el lanzamiento de su libro autobiografico «Let the good times roll» para mostrar la colección en la que Kenney se ha mostrado participe y está encantado con el resultado de nuestro trabajo.

Muchas gracias Kenney y esperamos que os gusten los diseños.

Edición limitada como siempre a la venta en Mod Shoes.


Trabajando en nuevos modelos. Working in new styles.

Dr. Watson Shoemaker retro mod sixties shoes. The Club. bespoke shoes.

Black bespoke shoes. Inspirados en el look mod retro londinense. Fabricados con los mejores materiales: Pieles: Napa y velour. Piso de suela de cuero cosida. Haz tu pedido ya y recibe en Mayo.

The Club, basado en los zapatos que llevaban los mods que se movian por los alrededores de Wardour Street camino del Flamingo.

The Club, based on the shoes worn by the mods that moved around Wardour Street
on the way to the Flamingo.


Dr. Watson Shoemaker retro mod sixties shoes. Green Circles bespoke shoes.

Dr. Watson Shoemaker retro mod sixties shoes. Green Circles bespoke shoes. Inspirados en el look mod retro londinense. Fabricados con los mejores materiales: Pieles: Napa y velour. Piso de suela de cuero cosida. Haz tu pedido ya y recibe en Mayo.

Green Circles es una canción fantástica de Small Faces, líneas verdes, círculos verdes …

Y con la lluvia vino un extraño
Sus ojos estaban llenos de amor y dolor
Él comió y durmió y la oscuridad cayó
Y en su sueño, su mente sí hablaba de
Círculos verdes,
Círculos verdes

Soñó con círculos en el aire
Y en su corazón y en todas partes
Él quería que todo el mundo fuera
Tan libre como él para que pudieran ver esos
Círculos verdes,
Círculos verdes

Green Circles is a fantastic song of Small Faces, green lines, green circles..

And with the rain a stranger came
His eyes were filled with love and pain
He eat and slept and darkness fell
And in his sleep his mind did tell of
Green Circles, (circles of)
Green Circles

He dreamt of circles in the air
And in his heart and everywhere
He wanted all the world to be
As free as he so they could see those
Green Circles, (circles of)
Green Circles

Dr. Watson Shoemaker retro mod sixties shoes. André Sneaker style.

André Sneaker es un zapato inspirado en los sneakers de los años 60. Hecho en piel con cinta de nylon en la pala y en la trasera. Piso de eva super lígero y cómodo. Haz tu pedido ya y recibe en Mayo.

Los zapatos de André, muestran al mod urbanita bien vestido de forma casual, pero siempre estiloso.

The shoes of André, show urban mod well dressed in a casual, but always stylish.

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Revista GQ: This is My Generation: por qué el estilo mod nunca pasa de moda. Entrevista a Alex Cooper.

El imaginario popular nos dice que la comunidad mod (hágase la RAE: Que pertenece a un grupo juvenil surgido en Inglaterra en la década de 1960, caracterizado por su afición a la música pop y por un modo de vestir elegante) se siente con el derecho a mirar por encima del hombro al resto de tribus urbanas en cuestiones fashionistas. Traje de corte clásico y zapatos brogues. Polo de punto, Levi’s ceñidos y desert boots (los emblemáticos pisacacas). Cubriendo el look, claro, una parka fishtail (acabada en pico por detrás). Las fórmulas clásicas del movimiento funcionan. Su modus vivendi apela a la sofisticación, al buen gusto, a la intemporalidad de su propuesta y a la exclusividad de su armario.

La moda es cíclica, pero la estética british-sixties siempre se ha mantenido por aquí cerca en un discreto pero privilegiado segundo plano. Nunca está demodé, pero tampoco termina de encajar en una corriente mayoritaria que la aboque a perder su esencia, su valor diferencial. “Lo mod tiene que ver, en primera instancia, con el buen gusto y la elegancia. También con la capacidad de adaptación a la tendencia, ya sea en lo musical, en lo plástico o a nivel general en el ámbito cultural. A los mods les interesó el jazz, también el rhythm n’ blues, el pop e incluso el punk. La escena mantiene una relación amor/odio con el concepto básico de estar a la última. En Inglaterra, la ética/estética mod se identifica con el propio país, una especie de casa común a la que todos vuelven cuando quieren flirtear con la elegancia o el estilo. Allí cada uno elige su nicho: la Ivy League, los dandy fashions de finales de los sesenta, el Carnaby Street look, el Britpop…”, nos explica Alejandro Díez, ex miembro de Los Flechazos y actual líder de Cooper, dos bandas abanderadas del movimiento en España.

Comparten el punto de vista de Álex Cooper –sobrenombre del músico, responsable igualmente de Ediciones Chelsea, sello especializado en material pop– Asun y Antón, propietarios de Sweet & Dandy, tienda de ropa vintage enfocada en la cultura skinhead, mod y sixties (la tienes en Lavapiés, en el 6 de la calle Cabestreros): “Lo mod es sinónimo de elegancia y sofisticación accesible. Los clásicos lo son cuando consiguen mantener un significado al margen del tiempo y de las tendencias. En este sentido, los mods de los años sesenta se inspiraron en estilos que ya habían tenido éxito entre la vanguardia contracultural de distintas épocas (hipsters, beatniks…) y en el elitismo de la Ivy League, por eso su imagen era una apuesta sobre seguro. El traje a medida es buen ejemplo de ello”. Sin embargo, según nos explican Asun y Antón, hubo un momento en el que la apariencia mod se convirtió en mainstream, tal y como demuestran las fotos de los primeros Beatles o de deportistas como George Best… “¡Si hasta los Scorpions vestían mod en los años sesenta!”.

Exclusividad en entredicho

“Yo no quiero ser como ningún otro, por eso soy un mod. ¿Te enteras?”, vociferaba Jimmy (Phil Daniels) en el clímax de ‘Quadrophenia’ (Franc Roddam, 1979). Lo curioso de la secuencia es que, durante todo el filme, el mismo Jimmy que no que quiere ser como nadie más se cita, baila y viaja en Lambretta por Brighton con otros 50 tipos que visten y lucen exactamente igual que él.

En ‘I’m not like everybody else’ (cara B del sencillo ‘Sunny Afternoon’, de 1966), Ray Davies también apela al sentimiento de diferenciación, de superioridad sociocultural, de no formar parte del rebaño. Sin embargo, los Kinks acabaron sucumbiendo al dictado de la industria discográfica en los años 80. La consabida exclusividad de la comunidad podría, por tanto, no ser tal.

Esta idea admite matices: las grandes firmas fast fashion (Zara, H&M…) llevan años comercializando con la imagen de bandas fetiche de determinadas tribus urbanas (Nirvana y el grunge, Ramones y el punk, Guns N’ Roses y el heavy), pero uno difícilmente va a encontrarse con una camiseta con el logo de los Small Faces en Primark.

Esto no quiere decir, sin embargo, que la puesta en escena british no se comercialice a gran escala: “Puede que hasta ahora haya habido una menor comercialización de grupos y nombres propios, pero no ocurre lo mismo en lo tocante a prendas y estilo. El boom de las parkas vivido en los últimos años está ahí para demostrarlo. Lo mismo ocurre con la Union Jack, que es todo un icono pop. Y pensar que los falangistas atacaban a los primeros mods españoles por hacer apología de lo británico… De todos modos, la exclusividad de los mods es un mito, al menos para los dueños de las tiendas donde se compraban la ropa. Esas boutiques underground del Soho se convirtieron en grandes cadenas en pocos años, transformando lo mod en generalista gracias a marcas distintas que se orientaban a públicos diferentes. Ni más ni menos que como las multinacionales de ahora”, analizan los dueños de Sweet & Dandy, que amplían así su hipótesis: “John Stephen, pionero de Carnaby Street, llegó a tener 14 tiendas en Inglaterra, Escocia y EE UU. Pasada la efervescencia del Swinging London, cerraron todas salvo su sastrería. Podemos decir otro tanto de Irvine Sellar, dueño de otra cadena con ADN mod cuyas ventas masivas le permitieron edificar The Shard, el rascacielos más alto de Londres. Guste o no, la comercialización de la estética mod es un hecho, como ocurre con todos los iconos culturales. Si no ha salpicado aún a los Kinks o a los Faces, por ejemplo, es porque quizás no están en las coordenadas generacionales de ningún creativo de moda; pero basta una serie, una versión musical o una película para que eso cambie durante un tiempo”.

Eneida Fever, agitadora cultural y responsable de prensa de Mercury Wheels, Houston Party Music y Fever Productions, agencia que se encarga de la promoción de bandas como The Excitements, The Limboos, Holy Bouncer o Wild Honey, disiente en parte de esta reflexión: “Aquí la mayoría de los consumidores no conocen a bandas como los Small Faces; y cuanto más se identifique uno con un diseño, mayores serán las ventas”.

Cooper, no obstante, coincide con el planteamiento poco halagüeño (al menos para los más puristas) que proponen los dueños de Sweet & Dandy: “Por la calle veo infinidad de camisetas y bolsos con logos o ilustraciones de Vespa, Lambretta, con dianas de la RAF… En España, la imagen mod se ha impuesto en el street style como una de las tendencias base para un público mayoritario. El país está lleno de parkas verdes con parches de motos y grupos, de gente que lleva Fred Perry, vaqueros negros, blancos o azules entallados, jerseys de Lyle & Scott, zapatos elegantes, camisas con botones en los cuellos de cuadros o colores pálidos, cazadoras tejanas de corte clásico y cazadoras de corte Harrington. Yo recuerdo volverme loco de crío buscando ropa que me agradara. Ahora todo esto está al alcance de cualquiera. Lo mod en España está muy presente en la calle; siempre he pensado que los ojeadores de Zara y de otras cadenas lo aprecian mucho. Y es que, a fin de cuentas, el estilo y el buen gusto nunca desagradan: ¿A quién no le gusta una Lambretta, un traje bien cortado, una bufanda de college, un disco de la Blue Note o unas vacaciones en la Riviera francesa?”.

Culto a la imagen, no solo a las marcas

Hablemos de firmas: llevar una prenda Fred Perry, Merc, Ben Sherman o la más reciente Pretty Green, por citar cuatro ejemplos a vuelapluma, viste y da prestigio. ¿Qué valor tiene la imagen de marca en el imaginario mod? Asun y Antón lo tienen claro: “Menos de la que cabría esperar en una cultura tan preocupada por las cuestiones de imagen. Esas cuatro firmas son referentes porque definieron su perfil desde el principio, pero hay más culto a la estética que a las marcas. Si se siguen llevando masivamente es porque apuestan año tras año por este estilo. No obstante, para la mayoría de mods las marcas no son un fin en sí mismo (como sí ocurre en otras culturas como la casual, mucho más fetichistas incluso en cuestiones como el «made in England» o el carácter orgánico de las prendas)”.

Álex Cooper sube la apuesta: “Son marcas icónicas por lo que representaron en el pasado, sobre todo Fred Perry y Ben Sherman; pero hay muchas otras: Ben Sherman era una especie de imitación de las camisas americanas tipo Brooks Brothers que empezaban a llegar a Inglaterra al inicio de la década. Brutus, de finales de los sesenta, también es una marca muy apreciada y que actualmente ha experimentado un resurgimiento. Hay etiquetas especializadas en el público mod, marcas que rediseñan prendas de los sesenta o reinterpretan ideas de entonces. Los jerseys de Art Gallery son un buen ejemplo. De todas formas, hace quince o veinte años muchos mods vestíamos prácticamente al completo con ropa de segunda mano. Encontrabas en aquellos tiempos ropa alucinante en mercadillos y tiendas vintage: pantalones Tomboy americanos, polos Gabicci y Roberto Carlo, camisas originales de la etapa psicodélica manufacturadas para tiendas de Carnaby y King’s Road, piezas de Farah, zapatos Denson… Todas ellas son marcas muy apreciadas entre la gente de nuestra escena, hoy prácticamente imposibles de encontrar (o de pagar, si las encuentras)”.

Guía de estilo

Por último, ¿el mod nace o se hace? Respuesta corta: se hace. Respuesta larga: se hace… pero hay que saber cómo (recuerda: hablamos de moda, el perfil musical/cultural lo trataremos en otro momento). A modo de manual para dummies, a continuación listamos una serie de básicos que todo aspirante debe tener en su armario.

Alejandro Díez de nuevo al habla: “Traje oscuro de corte clásico (yo siempre prefiero tres botones), zapatos brogues o formales (Doctor Watson Shoemaker es de aquí y hace maravillas) o desert boots, Levi’s blancos, polo Fred Perry o similar y camisa de cuadros al estilo de las Brutus o Ben Sherman de los sesenta (Britac, en Barcelona, tiene camisas preciosas para mods y skins)”.

Eneida Fever añade alguna otra idea: “Muchos creen que la parka y los clásicos pisacacas al estilo revival son esenciales, pero yo me decanto más por un traje hecho a medida, unos buenos zapatos y un polo Gabicci o Roberto Carlo”.

Rematan la propuesta Asun y Antón: “Nosotros optamos por una parka fishtail, ya que pega con todo; por un traje con la chaqueta entallada de tres botones y pantalones slim tobilleros; por un polo de punto, ya que aporta un toque sixtie muy fiel a la original; por unos sta-prest marcados y con el bajo a la altura de los tobillos (admiten atrevimiento y cuadros: Príncipe de Gales, tartanes verdosos…) y por unas desert boots, que son elegantes, no muy formales y muy cómodas”.

En la radio suena el ‘Do Wah Diddy Diddy’ de Manfred Mann. ¿Bailas? Te vas a divertir, tienes nuestra palabra. Eso sí, arréglate antes. Ya sabes por dónde empezar.

Roger style by Dr. Watson Shoemaker.


Redactor de GQ

Los Beatles y ‘Cinema Paradiso’ tienen la culpa de que yo esté hoy aquí.